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Regles de la composición fotográfica

La composición es fundamental para conseguir una imagen de calidad. Una composición bien equilibrada proporciona una agradable sensación a la vista. Muchas veces observamos fotografías y no sabemos porque algunas nos merecen nuestra atención y otras pasan desapercibidas. La diferencia está en la composición.

Los microprocesadores implementados en la tecnología fotográfica digital consiguen que las cámaras fotográficas proporcionen fotografías bien enfocadas y con la exposición correcta, pero la composición aun sigue siendo competencia única del cerebro humano. Para ello hay que educar nuestro cerebro de fotógrafo para que sea capaz solamente con la mirada seguir las siguientes reglas o recomendaciones para conseguir una buena composición.

Podríamos decir que la composición fotográfica es el arte de seleccionar y distribuir los objetos en el espacio captado por la cámara, para conseguir una imagen de calidad. Y no se olviden que la cámara capta las escenas de manera diferente a como las ve nuestro cerebro.

Las reglas son las siguientes:

1. Sencillez

La primera regla de la composición fotográfica es mantener la escena tan simple como sea posible. La fotografía tiene que centrarse en un solo elemento o motivo y hay que buscar fondos sencillos, que no destaquen del elemento o motivo principal de nuestra fotografía. La información de la fotografía tiene que ser simple y directa.

Si no conseguimos captar la sencillez de la escena es que no estamos suficientemente cerca. Robert Capa como consejo decía “Si nuestras fotografías no son buenas es porque no estamos lo bastante cerca”. Hoy con los programas de edición fotográfica (photoshop por ejemplo) lo tenemos fácil, recortamos lo innecesario.

2. Regla de los tercios

El punto de interés tiene que estar situado fuera del centro de la composición. Dividimos el fotograma en dos líneas verticales y dos horizontales. El elemento que nos interesa destacar lo situaremos en uno de los puntos de intersección de estas líneas.

En la imagen siguiente podemos observar como William Holden en “Grupo Salvaje” se encuentra situado en la intersección superior izquierda de los tres tercios, dejando libre el espacio hacia donde dirige la mirada.

En fotografías panorámicas el horizonte se situara en la línea horizontal inferior o superior dependiendo de si queremos destacar el cielo o el suelo.

En retratos a corta distancia destacaremos un rasgo superior del personaje en una intersección superior. Si dirige la mirada hacia un lado, dejaremos el espacio vacío del lado de la mirada.

En casos de movimiento hay que reservar espacio para que el sujeto de la sensación de que se puede desplazar dentro del encuadre.

3. Líneas

Las líneas ayudan a conducir la mirada hacia el motivo principal de la fotografía. Las líneas diagonales proporcionan dinamismo y conducen la visión hacia el motivo principal al mismo tiempo que sugieren continuación. La utilizaremos para resaltar motivos arquitectónicos o artificiales. Las curvas en S como un rio o camino las utilizarnos para resaltar motivos naturales, como en paisajes y panorámicas. Procuraremos que estas líneas conduzcan la vista hacia el interior de la imagen o motivo. Siempre escogiendo un fondo sencillo. Los motivos con líneas repetitivas suelen generar imágenes artísticas y agradables.

Fotografía tomada en el interior de la pirámide de Keops.

Fotografía tomada en el interior de la pirámide de Keops.

4. Equilibrio o Balance

Es la disposición de las formas, colores, luces y sombras de manera que se complementen. Hay que considerar todos los recursos disponibles delante de una escena, como los objetos, las líneas o formas, los colores o texturas.

La fotografía tiene que contar una historia por sí misma, aquello de que una imagen vale más que mil palabras en fotografía tiene su aplicación directa. La imagen necesita al menos mil palabras para poder expresar su contenido.

En la siguiente imagen quise destacar el mundo viejo del mundo nuevo, el pobre del rico. Lástima que no tenia polarizador para conseguir un fondo más azulado.

Vista de las pirámides desde el hotel Mena House

5. Emmarcar

Se utilizan los elementos disponibles en la escena para enmarcar el motivo principal y resaltarlo. En una fotografía de paisaje, arquitectura o gente es útil reencuadrar la escena y buscar un objeto en el primer término que sirva de marco natural al elemento principal. Por ejemplo podemos utilizar los arcos de un edificio, una valla, una puerta, una ventana o las ramas con hojas o flores de un árbol, aunque no tienen que ser muy llamativos. De esta manera se consigue crear la profundidad de campo.

El marco puede aparecer enfocado o desenfocado, para ello cerraremos o abriremos el diafragma del objetivo. Si la fotografía es oscura puede aparecer como una silueta. De esta manera damos un toque personal que no se conseguiría con los ajustes automáticos del programa de la cámara.

6 Relación figura-fondo

Hay que vigilar que no se produzcan límites confusos entre el fondo y los primeros planos, tiene que haber un punto de interés claro i resaltado. Si no lo encontramos simplemente intentemos acercarnos más o utilizar un objetivo de mayor distancia focal.
Lo mejor es utilizar un objetivo con una abertura grande y desenfocar el fondo.

Bien, no siempre se tienen que seguir estas reglas, pero si lo hacen conseguirán más fotografía interesantes y empezaran a educar el cerebro para que actue como cazador de instantáneas.


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Tornant al ‘pre-cinema’

El 1891, ara fa més de 120 anys, el geni i agressiu inventor Thomas Alva Edison presentava el seu cinetoscopi, un invent que aconseguia la síntesi de les imatges en moviment i que podria considerar-se com un precedent tècnic i ideològic del cinema. Però no era cinema! El setè art té com a data de naixement la projecció dels germans Lumière, quatre anys més tard, al Saló Indien del Grand Cafè de París.
Per què no es considera cinema, encara, aquesta nova genialitat del prolífic Edison? Doncs, perquè té mancances importants respecte a la idea que, posteriorment, els historiadors valoraran de l’art cinematogràfic. En primer lloc, perquè es tracta d’un aparell que no projecta el film, sinó que, en una postura bastant incòmoda, doblegant l’esquena i recolzant-se en la mateixa màquina, es pot veure, mitjançant un visor, la reproducció de la pel·lícula. I, en segon lloc, conseqüència de l’anterior, perquè amb el cinetoscopi d’Edison el visionat era individual i no col·lectiu; es realitzava en aparells individuals, i no en projeccions per a tota una sala.
Això és interessant perquè, si fem una senzilla enquesta avui en dia entre la joventut veurem que, tot i que l’audiovisual en general segueix sent un producte cultural i d’oci que va a l’alça, sí que es produeix un canvi d’hàbits important. Cada vegada més, el jovent no considera necessari –fins i tot ho considera molest­– desplaçar-se a una sala per veure-hi una pel·lícula i, és clar, encara més molest, haver de pagar per ella.
El consum de cinema torna a ser cada vegada més individual, a través d’ipads, ordinadors, fins i tot mòbils, i mitjançant plataformes virtuals de vídeos o mecanismes d’intercanvis de fitxers. El producte és el mateix. Podem dir-li encara cinema? La qüestió és que, al menys en la dimensió sociològica, sembla que estem tornant als inicis del cinema o fins i tot abans, al “pre-cinema”.


Matar a un Ruiseñor, algo más de cincuenta años.

Matar a un Ruiseñor es una película con el título original de To Kill a Mockingbird dirigida por Robert Mulligan en el año 1962, basada en la única novela de Harper Lee, por la cual ganó el Premio Pulitzer. La película recaudo más de 20 millones de dólares frente a los 2 que costó su producción. Como curiosidad, Mockingbird se tradujo por Ruiseñor en lugar de Sinsonte, un pájaro típico de América del Norte. Parece mentira pero ya han pasado casi más de 50 años de su estreno y aun conserva su aliento inicial, aparte de otorgarnos una gran interpretación de Gregory Peck.

Matar a un Ruiseñor es un filme que exhibe una descripción de la infancia, la justicia y el racismo. Sabiamente elaborado por Mulligan fuera de un genero concreto y al mismo tiempo extrayendo cosas de todos para lograr una fluidez narrativa (contada por una voz en off adulta) que atrapa al espectador que quiere dejarse llevar al territorio de la infancia (quizá el suyo propio) y volver a descubrir donde se encuentran la realidad y los sueños aun no perdidos.

Gregory Peck interpreta a Atticus Finch o quizá Atticus Finch es Gregory Peck en sus sueños de infancia. Atticus es un abogado viudo y padre de dos niños, Scout (Mary Badham) y Jem (Phillip Alford). Viven en su casa de Maycomb, un pequeño pueblo de Alabama. La historia transcurre durante los años treinta, en mitad de la gran depresión y en un ambiente de racismo hacia los negros. Tom Robinson (Brock Peters) de color negro, es acusado de la violación de una joven blanca. Atticus se encarga de su defensa, pues cree firmemente en su inocencia.

De esta manera el mensaje renaciente en los años 60 sobre los prejuicios raciales, la violencia, la tolerancia y el coraje se representan en la novela de Harper Lee. Una novela semiautobiográfica acerca de lo que sucedió en un un pequeño pueblo de su infancia, Monroeville (Alabama) en 1936, cuando Harper tenía 10 años. Su padre Amasa Lee, viudo y también abogado  en 1919 defendió a dos negros acusados de asesinato.

Gregory Peck conoció a Amasa Lee para preparar el personaje de Atticus. Desgraciadamente Amasa falleció antes del estreno de la película y Harper Lee le dio el reloj de bolsillo de su padre. Peck lo llevó cuando fue a recoger el Óscar al mejor actor, precisamente por su interpretación de Atticus Finch. Aparte la película recibió el Óscar a la mejor dirección artística y mejor guión adaptado para Horten Foote.

 

La película está rodada en un magnífico blanco y negro por Russell Harlan y cuenta con una maravillosa partitura compuesta por Elmer Bernstein. Bernstein ha considerado la música de Matar un Ruiseñor como uno de sus mejores trabajos y uno de los más complejos. Crea un sonido puro y nada artificioso, capaz de describir el mundo de la infancia desde la perspectiva de un niño, no de la perspectiva adulta.

La película empieza con una perfecta secuencia donde van apareciendo los títulos de crédito conjuntamente con dibujos infantiles y el canturreo de una niña intentando construir una melodía, acompañada solamente por las notas de un piano. La niña abre una vieja caja de cigarros puro con una colección de valiosos tesoros:

  • ceras de colores (nuevos y usados).
  • un lápiz de metal.
  • dos figuras de muñecas talladas en jabón, una de hombre y otra de mujer.
  • un viejo reloj de bolsillo roto.
  • una llave.
  • una navaja de bolsillo rota.
  • una medalla.
  • unas cuantas canicas.
  • unos peniques.
  • otros objetos menores.

Mientras colorea con una cera oscura va apareciendo el título del film en letras blancas. El canturreo de la niña da paso al tic-tac del reloj. La cámara gira y mediante un fundido se acerca despacio de izquierda a derecha a los elementos ampliados de la colección, mientras empieza la música de Berstein. El solo de piano inicial a dado paso a las arpas que introducen un acompañamiento de flautas y desarrollan un nuevo motivo en el piano, que da paso de nuevo a la flauta y el acordeón. Las cuerdas amplían el tema y lo desarrollan con mayor expresividad y sonoridad.

Aquí tienen la introducción en YouTube (*) mientras no me borren el vídeo.

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Berstein muestra con esta sencillez el paso de la inocencia infantil al descubrimiento del mundo que lo rodea. De la sencillez del solo de piano asociado a las imágenes de los juguetes y los dibujos a la sonoridad de las cuerdas. Al ritmo del movimiento de las canicas que nos indican el paso del tiempo, hasta detenerse junto en el momento que aparecen los créditos de los niños Scout y Jem. Fundido y los nombres de créditos de los niños aparecen sobre los muñecos de jabón, el nombre de Scout sobre la niña y el de Jem sobre el niño. El travelling termina con la lenta aparición de un silbato junto al nombre del compositor Elmer Berstein. Pronto apreciamos que la niña con las ceras está dibujando un pájaro sobre un papel, que termina rompiendo.

El titulo de la película y del libro nace de la siguiente escena, donde Atticus comenta la importancia de no matar a un ruiseñor. Este es el dialogo, en ingles y castellano. Véanlo mientras YouTube no me lo elimine.

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I remember when my daddy gave me that gun. He told me that I should never point it at anything in the house. And that he’d rather I’d shoot at tin cans in the backyard, but he said that sooner or later he supposed the temptation to go after birds would be too much, and that I could shoot all the blue jays I wanted, if I could hit ‘em, but to remember it was a sin to kill a mockingbird…Well, I reckon because mockingbirds don’t do anything but make music for us to enjoy. They don’t eat people’s gardens, don’t nest in the corncribs, they don’t do one thing but just sing their hearts out for us.

Recuerdo muy bien cuando mi padre me la dio. Me advirtió que no debía apuntar nunca contra nada de la casa. Y solo me dejaba disparar en el huerto, contra latas vacías, pero considerando que tarde o temprano me vencería un día la tentación de tirar a los pájaros, dijo que ya podía matar a todos los grajos que quisiera, si les daba. Pero que no olvidase que matar a un ruiseñor es un grave pecado…Pues supongo porque los ruiseñores no hacen otra cosa que cantar para regalarnos el oído. No picotean los sembrados, no entran en los graneros a comerse el trigo, no hacen más que cantar con todas sus fuerzas para alegrarnos.

 

Esta escena está conectada con la última, interpretada por un joven Robert Duvall, haciendo su debut cinematográfico interpretando a Boo Radley. Un retrasado mental que a la vez es el ogro y el hada de la película. Boo deja regalos a los niños en el tronco de un árbol buscando su amistad. La muñeca y el muñeco de jabón están realizados por él.

Boo ha matado (acuchillado) a Bob Ewell, un peligroso asesino que perseguía a los niños, salvándoles de una muerte segura. El Sheriff no quiere acusar a Boo y dirá que Bob Ewell cayó sobre su cuchillo y se mato el mismo. Scout le recuerda a su padre Atticus las palabras que pronunció sobre que matar a un ruiseñor es un grabe pecado, en relación a encarcelar a Boo Radley.

Scout: El Sr. Tate (Sheriff) tiene razón.

Atticus: ¿Qué quieres decir?

Scout: Bueno, sería algo así como matar a un ruiseñor, ¿no es así?

Robert Duvall empezó así mostrando sus dotes de gran interpretación, fijense en la diferencia con  Apocalypse Now interpretando al teniente coronel William “Bill” Kilgore

 

Cuando Gregory Pech murió en junio de 2003, el actor Brock Peters que interpretaba al negro Tom Robinson elogió a Peck citando unas palabras de Harper Lee:

“Atticus Finch le dio la oportunidad de interpretarse a sí mismo”. Y concluyó su elogio con unas emotivas palabras de despedida: ”A mi amigo Gregory Peck, a mi amigo Atticus Finch. Vaya con Dios”

Quant costa fer una pel·lícula? Val la pena la inversió?

Sovint rebem notícies dels altíssims pressupostos per elaborar una pel·lícula, una estrena mundial, per al cinema. La recent estrenada La Jungla 5 de Bruce Willis ha estat rodada a Rússia amb un pressupost de 92 milions de dòlars. Els primers dies d’exhibició però ja ha ingressat més de 33 milions. Ens poden semblar pocs comparats amb els 200 milions de pressupost de Skyfall, la darrera estrena de l’agent 007. No us heu preguntat mai: com es recuperen aquestes grans inversions? Val la pena invertir en fer una gran producció per al cinema?


Potser la primera pel·lícula per la que s’ha registrat un retorn econòmic molt important ha estat Tiburón (Jaws, 1973); aquesta obra de Steven Spielberg, la seva cinquena pel·lícula, va costar uns 36 milions de dòlars (actualitzats a 2010) mentre que ha generat més de 13 vegades el seu cost, 471 milions. Aquí podeu veure altres de les 15 pel•lícules més rentables de la història.
Però no tots els projectes cinematogràfics són un blockbuster, un gran èxit econòmic, que permet als inversors recuperar els diners que de ben segur no els aporta altres projectes. Podem analitzar si invertir en un projecte té sentit calculant el seu “valor actual net”, o els diners que val a dia d’avui un projecte estimant els ingressos que es derivaran de la seva explotació al llarg de la vida del producte. El cinema té la particularitat que els ingressos poden venir anys després de la seva estrena i per fonts diverses (exhibició als cinemes, lloguer DVD, projecció TV, projecció avions, etc..).
Alguns estudis demostren que poques vegades les grans inversions es recuperen en diners que s’ingressen pels diferents canals. Segons aquests estudis, el 6% dels films fan el 80% dels ingressos. Tanmateix, els inversors tenen en compte també els retorns intangibles, en forma de prestigi o d’altres maneres.
En qualsevol cas, sempre convé estudiar quines seran les teves font d’ingressos futures per estimar el valor actual net del teu projecte. Si la inversió que cal és superior, millor pensa-ho dues vegades abans de començar.